先日、六本木の国立新美術館で開催されている「ピカソ meets ポール・スミス　遊び心の冒険へ」を見に行ってきました。
パリ国立ピカソ美術館が所蔵するピカソ作品を紹介する展覧会で、会場レイアウトを手がけているのは英国人デザイナーのポール・スミス。ピカソの初期から晩年までの作品を、緩やかな時系列に沿って紹介する構成になっています。
行く前は、当然ながら「ピカソの作品を見る展覧会」という気持ちで向かいました。
ところが、実際に展示室へ入って最初に気になったのは作品ではなく、その周りにある壁の色やレイアウトでした。
「次の部屋はどうなっているんだろう」そんなことを考えながら歩いている自分に気づき、途中からは作品と同じくらい会場デザインを見ていました。
今回は、Webデザイナーの視点から、「ピカソ meets ポール・スミス」の会場デザインで特に印象に残ったポイントについて書いてみます。

「ピカソ meets ポール・スミス」とは？

「ピカソ meets ポール・スミス　遊び心の冒険へ」は、国立新美術館で2026年6月10日から9月21日まで開催されている展覧会です。
パリ国立ピカソ美術館が所蔵する作品を中心に、ピカソの初期から晩年までを紹介しています。
特徴的なのが、その展示空間です。会場のレイアウトを考案したのは、英国を代表するファッションデザイナーのポール・スミス。豊かな色彩や「ひねりのあるクラシック」で知られる彼の感性が、展示空間そのものに取り入れられています。
公式サイトでも、会場について「色鮮やかさと楽しさに満ちた空間」と紹介されています。
実際に歩いてみると、「作品を壁に並べるための空間」というより、空間そのものも含めて作品を体験する展覧会だと感じました。

00から15まで、セクションごとにまったく違う空間

展覧会は00から15まで、全部で16のセクションに分かれています。
面白かったのは、部屋が変わるたびに空間の印象も大きく変わることです。
あるセクションでは落ち着いた色の壁で作品に集中しやすい空間になっている一方、別の場所では鮮やかな色や大胆なパターンが使われています。
普通であれば、展示全体の統一感を出すために壁の色や照明、什器のデザインをある程度揃えたくなります。

しかし、この展覧会ではあえて揃えすぎていません。
ピカソ自身が、生涯を通して同じ表現を繰り返した作家ではなかったことを考えると、この構成はとても納得できます。
「青の時代」からキュビスム、陶芸、晩年の作品まで、ピカソの表現は何度も変化しています。その変化を作品だけでなく、空間でも感じさせる。会場を歩く行為そのものが、ピカソの変化を追う体験になっているように感じました。

作品から発想した空間デザインが面白い

単純に「ピカソっぽい色を使った空間」というわけではありません。各セクションでは、展示される作品やピカソの人生に関連した要素から、空間デザインのアイデアが生まれています。
例えば最初のセクション「00 トロンプ・レスプリ」では、ピカソの《牡牛の頭部》が紹介されています。
この作品は、自転車のサドルとハンドルを組み合わせて牛の頭部に見立てたものです。

作品をただ飾るのではなく、
「この作品から何を連想できるか」
「その連想を空間にするとどうなるか」
というところまで掘り下げている。

ここが、個人的にとても面白かったポイントです。

ポール・スミスらしい色使いが作品の邪魔をしない

ポール・スミスと聞いて、多彩なストライプや鮮やかな色を思い浮かべる人も多いと思います。
会場にも、そのイメージを感じさせる大胆なカラーやパターンが随所に使われています。
ところが、不思議と「空間の方が目立ちすぎている」という印象はありませんでした。
もちろん部屋に入った瞬間は壁の色に目が行きます。
でも、その色が作品とぶつかるのではなく、「この部屋ではこういう気持ちで作品を見るんだな」という空気をつくってくれます。
Webデザインでも、ブランドカラーを強く使いすぎると肝心の商品や情報が埋もれてしまうことがあります。
逆に無難にまとめすぎると、そのブランドらしさが消えてしまいます。
今回の会場デザインを見ながら、この「主張するけれど邪魔しない」というバランスは、Webサイトを作るときにもかなり参考になるなと思いました。

会場デザインによって「次も見たい」が生まれていた

もうひとつ印象に残ったのが、展示を見ているときのテンポです。
ひとつの部屋を見終えると、その先にはまた違った雰囲気の空間があります。

すると自然に、
「次はどんな部屋なんだろう」
という気持ちが生まれます。
作品数は決して少なくありません。それでも、「まだ続くのか」という疲れより、「もう次の部屋か」という感覚の方が強く残りました。
もちろんこれは私個人の体感ですが、空間の変化が鑑賞のリズムをつくっていたことは大きいと思います。
ずっと同じ壁、同じ照明、同じ展示方法が続いていたら、おそらく印象はかなり違ったはずです。
変化をつけることで、一度気持ちをリセットし、また次の作品を見る。
こうした体験まで含めて導線が設計されているように感じました。

Webデザインにも通じる「情報と体験の設計」

会場を歩きながら、これはWebサイトにもかなり似ているなと思いました。
Webサイトでも、すべてのセクションを同じレイアウトにすれば、統一感は出ます。
ただ、同じ構成がずっと続くと、ユーザーは途中で飽きてしまうことがあります。

例えば、
大きな写真を見せるセクション
文章をじっくり読ませるセクション
数字や実績を分かりやすく伝えるセクション
次のページへ誘導するセクション

それぞれ目的は違います。
目的が違うのであれば、見せ方も変わっていい。
大切なのは「デザインを統一すること」ではなく、「サイト全体として同じ方向を向いていること」だと思います。
今回の展覧会も、各部屋の見た目はかなり違います。
それでもバラバラには見えません。
すべての空間が「ポール・スミスの視点からピカソを見る」というひとつのコンセプトでつながっているからです。
これはWebサイト制作でも、とても重要な考え方だと感じました。

デザインは、情報そのものではなく「どう受け取るか」まで変える

今回いちばん印象に残ったのは、同じ作品でも、置かれる空間によって見え方が変わるということでした。
壁の色が変わる。
照明が変わる。
隣に置かれる作品が変わる。
次の部屋への入り方が変わる。

作品そのものは同じでも、こうした周囲の設計によって鑑賞体験は変化します。

Webサイトも同じです。
会社のサービス内容や実績が同じでも、写真、余白、文字サイズ、情報の順番、ページ遷移の仕方によって、ユーザーが受け取る印象は変わります。
だからデザインは、「情報をきれいに並べる仕事」だけではない。
その情報をどう感じてもらうかまで考える仕事なのだと、今回の展覧会を見ながら改めて感じました。

ピカソの作品はもちろんですが、デザインや空間づくりに興味がある方は、ぜひ会場そのものにも注目して見てみてください。